El nacimiento de Venus, concebido y realizado entre 1484 y 1485 aproximadamente, expuesto en la Galería de los Uffizi de Florencia (en la sala 10-14 ) por Sandro Botticelli, verdadero nombre de Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Florencia, 1 de marzo de 1445 - Florencia, 17 de mayo de 1510), fue un pintor italiano, considerado uno de los maestros del Renacimiento florentino también por su técnica pictórica, en parte separatista de las innovaciones y convenciones de la época.

Es un temple sobre lienzo de 172,5 x 278,5 cm, y es el resultado de una técnica impecable y extremadamente innovadora. A diferencia de la "Primavera", pintada sobre madera, el "Nacimiento de Venus" se realizó sobre lienzo de lino, muy poco habitual en la Florencia del siglo XV, preparándolo con una capa de yeso teñido de azul, que daba al cuadro un tono azulado y pintado al temple magro, es decir, con colas animales y vegetales y no con el uso del huevo como aglutinante del color, de modo que el lienzo parecía un fresco.

 La composición representa más precisamente el desembarco en la isla de Chipre de la diosa del amor y la belleza, nacida de la espuma del mar y conducida por los vientos Céfiro y quizás Aura. El tema de la pintura, que celebra a Venus como símbolo de amor y belleza, la diosa aparece en toda su gracia. Está de cuerpo entero, en el centro del cuadro, desnuda, con la piel de marfil y su cuerpo atravesado por sombras apenas insinuadas. La mano derecha se apoya en el pecho con un gesto gordinflón, la mano izquierda en el pubis sostiene un mechón de pelo muy largo movido por el viento. La cabeza ligeramente reclinada, la expresión de la cara dulce y suave.

En la misma figura coexisten el movimiento y la quietud: el cuerpo escultural que se muestra desnudo y la postura de pie sobre él están contrapuestos por el pelo rubio en la actitud de la Venus Púdica - una mano sobre el pecho y la otra sobre el pubis y u sobre el pelo se balancean en mil mechones dorados, la delicada concha (símbolo de la fertilidad) que se mueve empujada por el viento y las olas se convierte en un sólido apoyo bajo sus pies. El contraste con el verde y el azul del fondo realza su apariencia. 

En la esquina izquierda se puede ver a Céfiro, la personificación del viento que sopla desde el oeste, el viento fecundante, abrazado por un personaje femenino, tal vez sea la ninfa Clori, o tal vez el viento Aura o Bora ( Algunos estudiosos han reconocido, sin embargo, en la figura femenina alada la dulce brisa Aura ) que con su aliento de pasión y embriaguez primaveral empuja a la diosa Venus en su viaje a la tierra.

A la derecha, en la orilla, una doncella descalza está a punto de cubrir a la diosa con un manto de seda rosa bordado con flores primaverales, principalmente margaritas. Su vestido ligero, acolchado con acianos, está sujeto a la cintura por una rama de color rosa. Este último personaje ha sido identificado por algunos estudiosos como la Hora de la Primavera, otros han reconocido a Flora, otros como una de las Gracias. 

Detrás de la doncella, el paisaje se perfila por las ensenadas y los cabos de la costa y embellecido por un bosquecillo de flores de azahar iluminado en oro. Las flores de naranjo, también llamadas mala medica por sus propiedades terapéuticas, son alusivas al linaje Medici.

Las rosas caen del cielo, flores que según el mito aparecieron en el nacimiento de Venus.


Análisis

La simple composición aumenta el carácter sagrado de la figura. Un evento milagroso acaba de ocurrir, la espuma del mar, fertilizada por la semilla de Urano, ha generado una nueva diosa y ahora se manifiesta al mundo, ya que el artista asume un papel fundamental, fusionando los nuevos ideales cristianos con la grandeza del mito clásico.

No es casualidad, por lo tanto, que el manto ofrecido por Ora a Venus sea de color rosa y decorado con flores, símbolo del bautismo de Cristo, mientras que el aciano en la historia del arte es la representación de la "reina virgen del cielo". Las ramas de mirto se remontan al concepto de "Venus Sagrada", del cual es un símbolo.

La disposición simétrica recuerda visualmente escenas cristológicas como la del bautismo, y aunque la combinación pueda parecer blasfema hoy en día, ciertamente no debería haber aparecido en el apogeo del Renacimiento florentino.