La Virgen de las Rocas, por su complejo contenido simbólico, es una de las obras más emblemáticas de Leonardo da Vinci. La pintura celebra el misterio de la Encarnación a través de las figuras de la Virgen María, el niño Jesús y el niño San Juan. Las figuras divinas están inmersas en una luz suave, la escena se desarrolla por primera vez en un paisaje enfatizado por las proyecciones de las rocas. Es una pintura realizada con técnica de óleo sobre madera transferida a lienzo entre 1483 y 1486, mide 199 x 122 cm. y se conserva en el Museo del Louvre de París.

La Virgen de las Rocas es una copia doble de la obra maestra de Leonardo. La primera Virgen de las Rocas fue encargada a Leonardo por la Cofradía de la Inmaculada Concepción. Este, una vez completado el panel, no consintió en una mayor solicitud de dinero de Leonardo y tampoco coincidió mucho en la iconografía. Por tanto, la mesa se vendió. Con la colaboración de los estudiantes, Leonardo creó una segunda versión (ligeramente diferente a la primera) que hoy se conserva en la National Gallery de Londres, realizada entre 1494 y 1508, de 189,5 x 120 cm.

La pintura del Louvre fue encargada a Leonardo en 1483 por la Cofradía de la Inmaculada Concepción para una capilla en la Iglesia de San Francisco Grande de Milán.

La pintura del museo parisino fue la primera versión de la pintura de Leonardo. De hecho, luego de completarlo, Leonardo y los clientes no se pusieron de acuerdo en los pagos y, quizás, en el aspecto general de la mesa, que tiene una serie de elementos inquietantes, desde el entorno oscuro y húmedo, hasta la sonrisa ambigua del ángel que mira. el espectador, hasta la mano "rapaz" que María extiende sobre el Niño Jesús.

Leonardo, por tanto, se negó a entregar la obra, y unos años más tarde inició una segunda versión del cuadro, de idéntico tamaño y temática, aunque con algunas variaciones estilísticas e iconográficas.

Fue esta segunda versión la que se instaló en el altar mayor de la Iglesia de San Francisco Grande de Milán y que ahora se encuentra en la National Gallery de Londres.

La segunda versión fue pintada bajo la dirección de Leonardo por Ambrogio de Predis entre 1494 y 1508.

A principios del siglo XVI se vendió la primera versión, se vendió al rey de Francia Luis XIII de Borbón y desde allí pasó a formar parte del Museo del Louvre.

La Virgen de las Rocas representa a la Virgen, al niño Jesús, a Juan Bautista en el acto de bendecir al niño y al ángel colocado a la entrada de una cueva. El paisaje es duro y rocoso, la luz viene de arriba y de las aberturas del fondo, la cueva, las flores y plantas están pintadas con todo detalle pero en el fondo los colores se desvanecen y se vuelven casi velados. Leonardo da Vinci evita el contraste excesivo, prefiere no contrastar la luz y la sombra, evita los colores demasiado intensos, prefiere las sombras, las zonas grises, la dulzura de la media luz.

Su técnica es innovadora, apunta al equilibrio, favorece el matiz. Todo parece real, rodeado de una atmósfera enrarecida.

Una iconografía ambigua

Al comparar las dos versiones de la Virgen de las Rocas, se evidencia claramente la ambigua iconografía de la primera versión del cuadro del Louvre, muy estudiada y debatida por los especialistas.

En la primera versión que se conserva en el museo del Louvre. La escena se desarrolla en un paisaje rocoso, orquestado arquitectónicamente, dominado por flores y plantas acuáticas (de gran precisión botánica), desde la distancia se puede vislumbrar un arroyo.

El ángel mira hacia el observador con una leve sonrisa y señala hacia San Giovannino; este detalle tan sugerente está ausente en la versión de Londres. La fortuna de esta composición fue enorme, de hecho se conocen innumerables copias de las manos de artistas italianos y extranjeros.

Mientras que en la segunda versión se conserva en la National Gallery de Londres. Versión concebida y deseada por el propio Leonardo con muchas diferencias respecto a la mesa parisina.

Las figuras de mayor tamaño, con paños simplificados que le dan mayor monumentalidad. Al reformular al ángel, el artista ha optado por suprimir el gesto de la mano que señala y cargar su mirada con mayor fuerza expresiva, concentrada como está en sí mismo, el Niño no tiene la misma carga moral, ni siquiera S. Giovannino y la Vergine, que si bien conservan una posición similar, están revestidos de una mayor concentración de sombras que quizás las haga menos líricas.

De hecho, la identidad de los personajes puede parecer difícil de atribuir debido a la falta de atributos y al estado del pequeño San Juan, situado junto a la Virgen, nombrado por el dedo del arcángel Gabriel y bendecido por Jesús.

El desierto tradicional, en el que se reencuentran los dos hijos del plan divino, es reemplazado por una cueva de aspecto sobrenatural, y por rocas, agua y plantas.

El misterio de la Encarnación que se celebra a través del papel de la Virgen María y el del precursor, a quien se considera una tradición florentina como el compañero de juegos de Jesús, consciente ya de su próximo sacrificio. Esta prefiguración de la Pasión también parece estar contenida en la representación del precipicio sobre el que se encuentra el Niño y en el simbolismo de la vegetación circundante.

Espacio y composición

El espacio no se construye con una perspectiva lineal. De hecho, no hay mentes arquitectónicas que puedan crear escapes de perspectiva. La superposición de los cuerpos y la progresiva disminución del tamaño de las rocas y la vegetación construyen la profundidad del espacio. También contribuyen en el fondo la perspectiva aérea y la perspectiva de elevación con respecto al campo del plano pintado. Las formas más distantes se pintan más arriba, hacia la parte superior del plano pictórico.

Una composición completamente nueva

La Virgen de las Rocas está vinculada estilísticamente a obras que se insertan hacia el final de la estancia florentina de Leonardo como la Adoración de los Magos (Florencia) y San Girolamo (Roma).

El primer piso está ocupado íntegramente por el grupo de figuras dispuestas simétricamente. De hecho, los niños se reflejan en el eje vertical, creando una línea oblicua. El Bautista y el Ángel se colocan al mismo nivel y, por último, la Virgen. Su disposición crea una figura trapezoidal que corresponde a la unión de las cabezas de los personajes.

Además de que el apretado orden de la composición geométrica piramidal no entorpece los movimientos de los personajes, la cuidada orquestación de sus gestos adquiere una nueva intensidad a partir de la luz difusa que suaviza los contornos sin debilitar el modelado de la carne.

Las figuras con sus actitudes naturales y la fuerte presencia del paisaje dominado por elementos minerales, resultan muy innovadoras frente a la arquitectura esculpida y las poses hieráticas propias de los retablos y pinturas religiosas en general de ese período.

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